7 книг об истории музыки: от боэция до горохова

Что ещё происходило в мире в это время?

   В 986 году викинг Бьярни Херьюльфссон во время морского путешествия сбился с курса и увидел побережье Америки. Но этот континент оставался неизвестным большинству европейцев ещё пятьсот лет, пока в 1492 году Христофор Колумб не высадился в Вест – Индии.   На заре второго тысячелетия Англия подвергалась набегам со стороны викингов. В 1012 году морские разбойники разорили Кентербери, хотя от них удалось откупиться, заплатив 48 000 фунтов серебра. С 1016 по 1035 год Англией правил Кнуд, а после него недолгое время Гарольд, пока в 1066 году корона не досталась Вильгельму Завоевателю, победившему в битве при Гастингсе. В Шотландии правили свои короли, в том числе и Макбет (1040–1057).   Фактически то, что ныне принято считать произведениями раннего периода, сочинялось в эпоху, когда Англией правили династия Плантагенетов (1154–1399), династия Ланкастеров (13991461), династия Йорков (1461–1485) и династия Тюдоров, последней представительницей которой была королева Елизавета I (1553–1603). В Шотландии трон с 1567 года занимал Яков VI, ставший в 1603 году после смерти Елизаветы I английским королём Яковом I.   В этот же период рыцари отправлялись в крестовые походы, была подписана Великая хартия вольностей, Европу опустошали «чёрная смерть» и Столетняя война между Англией и Францией, длившаяся с 1337 по 1453 год.   Так что мир и в те времена был довольно «оживлённым». Большинство людей были заняты войнами: одни народности завоёвывали другие, а те в свою очередь через несколько лет собирались с силами и наносили ответный удар. Но несмотря на все перипетии, музыка, как мы увидим, в те времена развивалась довольно интенсивно, главным образом под влиянием католической церкви.

История русской народной музыки

Истоки русской национальной музыки нужно искать во временах Древней Руси. Судить о тенденциях того периода можно лишь по обрывочным сведениям из письменных источников. В те времена широкое распространение имела обрядовая и бытовая музыка. С давних времен при царе существовали профессиональные музыканты, однако значимость фольклорных произведений была очень велика. Русский народ любил и умел петь, жанр бытовой песни был самым популярным. С приходом христианства русская музыкальная культура обогатилась духовным искусством. Появляется церковное хоровое пение как новый вокальный жанр. Однако долгие века доминировало на Руси традиционное одноголосное пение. Только в 17 веке складывается национальная традиция многоголосия. С этого же времени в Россию приходит европейская музыка, со своими жанрами и инструментами и начинается дифференциация на народную и академическую музыку.

Однако народная музыка никогда в России не сдавала своих позиций, она становилась источником вдохновения для русских композиторов и пользовалась большой популярностью, как у простых людей, так и у аристократии. Можно увидеть, что многие классические композиторы обращались к народному музыкальному багажу. Так, М. Глинка, Н. Римский-Корсаков, А. Даргомыжский, И. Чайковский широко использовали фольклорные мотивы в своих произведениях. В советский период фольклорная музыка была широко востребована на государственном уровне. После распада СССР фольклорная музыка перестала обслуживать идеологию, но не исчезла, а заняла свой сегмент в общей музыкальной культуре страны.

Понятие

Музыка играет особую роль в жизни человека, с древних времен звуки завораживали людей, погружали их в транс, помогали выразить эмоции и развить воображение. Мудрые люди называют музыку зеркалом души, она есть форма эмоционального познания окружающего мира. Поэтому музыкальная культура начинает формироваться еще на заре становления человечества. Она сопровождает нашу цивилизацию с самых истоков. Сегодня под термином «музыкальная культура» понимают совокупность музыкальных ценностей, систему их функционирования в социуме и способы их воспроизводства.

В речи этот термин используется наравне с такими синонимами, как музыка или музыкальное искусство. Для отдельной личности музыкальная культура является неотъемлемой частью общего эстетического воспитания. Она формирует вкус человека, его внутреннюю, индивидуальную культуру. Познание этого вида искусства оказывает преобразующее действие на личность человека

Поэтому так важно осваивать музыку с детства, учиться ее понимать и воспринимать

Теоретики считают, что музыкальная культура – это сложное комплексное целое, в которое включаются умение ориентироваться в стилях, жанрах и направлениях этого вида искусства, знания о теории и эстетике музыки, вкус, эмоциональная отзывчивость на мелодии, умение извлекать из звука смысловое содержание. Также в этот комплекс могут входить и исполнительские и сочинительские навыки. Известный философ и теоретик искусства М. С. Каган считал, что музыкальной культуре можно выделять индивидуальное измерение, т. е. уровень отдельной личности, ее знания, умения и навыки в сфере данного искусства, а также групповой уровень, который привязан к определенным субкультурам и возрастным сегментам общества. В последнем случае ученый говорит о музыкальном воспитании и развитии детей.

Бенджамин Бриттен, опера «Смерть в Венеции» (1973)

В одноименной новелле Томаса Манна присутствует не только эпидемия холеры, но и глубокая связь с музыкой. Внешний облик вымышленного главного героя, писателя Густава фон Ашенбаха, отсылает к фигуре его тезки — Густава Малера; биографические детали лишь усиливают эффект этой аллюзии. Литературное произведение создавалось в тот самый момент, когда весь мир оплакивал безвременную кончину композитора 18 мая 1911 года, о которой Манн узнал из газетных некрологов. Отсюда и заключительная фраза сочинения: «И в тот же самый день потрясенный мир с благоговением принял весть о его смерти».

Музыкальность новеллы никогда не являлась секретом, и не случайно в фильме Лукино Висконти (1971) главный герой становится композитором, звучат фрагменты Третьей и Пятой малеровских симфоний, а лейттемой кинокартины оказывается музыка Adagietto. По некоторым сведениям, Малер преподнес ее будущей жене в качестве дара любви, выражая надежду на безоблачно счастливый, идеальный брак (мы уже знаем, что его мечты оказались несбыточными).

Выход в свет фильма, по-видимому, послужил импульсом для другого большого музыканта: Бенджамин Бриттен уже многие годы вынашивал планы написать оперу на сюжет новеллы. Ради реализации глубоко выстраданного замысла композитор отложил остро необходимую операцию на сердце. Окружение музыканта было в ужасе от такого решения; ближайший друг и муза Бриттена, тенор Питер Пирс, писал: «Бен пишет дурную оперу, и это его убивает».

Бриттен многим обязан Малеру — и не только в стилевом отношении; у великого предшественника он воспринял, в частности, иллюзию совершенной, утешительной красоты, часто сопряженной с опытом смерти. Красота недостижимого для Ашенбаха мира Тадзио представлена в опере звучаниями, напоминающими традиционный индонезийский оркестр гамелан, состоящий преимущественно из ударных инструментов. Музыка самогó писателя отсылает нас не только к симфониям Малера, но и к додекафонии Арнольда Шёнберга, а также к лейтмотиву томления из «Тристана и Изольды» Вагнера (три главных композитора в творчестве Манна). Смерть от холеры становится метафорой проникновения в эстетическое «иное» — гармоничный и в то же время безучастный мир подростков. Однако, в отличие от новеллы, в заключительных тактах музыкального произведения эстетические миры Густава и Тадзио «встречаются».

Бриттен дорого заплатил за создание своей последней оперы. 4 декабря 1976 года его не стало. Причина смерти — бактериальный эндокардит — полностью совпала с диагнозом Густава Малера.

1607 год

Опера «Орфей» Клаудио Монтеверди

Клаудио Монтеверди. Картина Бернардо Строцци. Около 1630 года

Итальянский композитор Клаудио Монтеверди (1567–1643) создает первую в мире оперу «Орфей». Это сочинение открывает новую эпоху в истории музыки, эпоху главенства музыкального театра. Именно опере мы обязаны происхождением таких жанров, как симфония (которая, согласно широко распространенной гипотезе, возникла из оперной увертюры), а также практически всей массовой музыки, связанной с театральным представлением. Именно в оперном театре произошли знаменитые музыкальные реформы XVIII и XIX веков — Глюка и Вагнера соответственно, — резко продвинувшие вперед музыкальный язык. Одновременно с этим рождение оперы окончательно отодвинуло некогда главенствующую роль церкви как института музыкального развития и передало его в руки вначале аристократии, а через полтора-два века — широких слушательских масс.

  Фрагмент оперы Клаудио Монтеверди «Орфей»

1921

Сюита (соч. 25) и Вальс (соч. 23, № 5) Шёнберга

Арнольд Шёнберг. Фотография 1924 года

Это первые экспериментальные сочинения, написанные Шёнбергом в изобретенной им технике . (Предыдущие пьесы цикла, соч. 23, представляют собой своеобразные эскизы в разных атональных или внетональных техниках, часто даже более изощренных.) Фактически это вторая после атональности «изобретенная» техника. Остальные складывались как бы сами, но их «утверждали» (Филипп де Витри, Винчентино, Царлино, Рамо и другие). Шёнбергу удалось довести атональные поиски до конца.

Оба сочинения появились в печати в 1923–1924 годах: пьесы, соч. 23, духовой квинтет, соч. 24 и фортепианная сюита, соч. 25 — одновременно с авторским описанием додекафонного метода сочинения.

  Сюита для фортепиано (соч. 25) Арнольда Шёнберга  Пять пьес для фортепиано (соч. 23, № 5) Арнольда Шёнберга
 

1027 год

Появление прообраза современной линейной нотации

Гвидонова рука из итальянского литургического сборника. Кодекс 1450–1499 годов

Создание прообраза современной линейной нотации и сольмизации (сольфеджио) итальянским ученым, композитором и педагогом Гвидо д’Ареццо в первую очередь было шагом к ликвидации разрыва между теорией и практикой того времени. Линейная нотация явилась важнейшим шагом вперед, если сравнивать ее с более старой, так называемой невменной нотацией  Невменная нотация — тип вокальной нотации, в которой основным элементом нотной графики служит невма. Невма может соответствовать одной ноте или совокупности разновысотных нот, образующих мелодическую фразу. Точное высотное и ритмическое значение невмы (в отличие от школьной пятилинейной тактовой нотации), как правило, определить невозможно., использовавшейся в Европе начиная с IX столетия. Новую систему записи дополняла специальная мнемотехническая система, называемая гвидоновой рукой, где порядок следования звуков определялся по костяшкам и кончикам пальцев. Звуки впервые были отделены от слогов пропеваемого текста и получили универсальные названия, взятые, впрочем, тоже из начальных слогов гимна святому Иоанну. Музыкальное обучение, таким образом, встало на научную основу. Оно резко упростилось, покончив с изустной передачей колоссальных объемов информации.

Также необходимо уточнить, что Гвидо открыл только сам принцип: до создания нотных символов в том виде, к которому мы привыкли, оставалось еще целых шесть столетий. Да и названий нот у Гвидо было всего шесть — седьмая была прибавлена позднее  Это была нота си, дополнявшая гамму до полного диапазона октавы; во времена Гвидо использовалась шестиступенная система. .

«Основы музыки»

Трактат Боэция, был, возможно, самым читаемым средневековым трудом, посвященным музыке — свидетельства о нем можно найти более чем в 150 документах с IX по XV века. Боэций суммирует все известные на тот момент представления античности о музыке, в частности пифогорейские арифметические труды по музыкальной теории. В «Основах музыки» философ также впервые вводит понятие «квадривиум», которым в Средневековье стали называть курс светского образования, состоящего из четырех дисциплин: арифметики, геометрии, астрономии и музыки. Трактат Боэция внес самый большой вклад в средневековое понимание музыки как математической дисциплины.

Боэций проводит интересную для современной культуры мысль, что наука, в целом, занимает более почетное место, чем ремесло, потому что гораздо важнее знать, что каждый делает, чем делать то, что каждый знает. Центральным моментом в его теории является соотношение разума и чувств при восприятии музыки. Боэций попытался рационализировать удовольствие, получаемое от музыки. По его мнению, существует три типа занимающихся музыкальным искусством: музыканты, играющие на инструментах, сочинители песен и, условно говоря, теоретики, которые судят о музыке. Музыковед находится в самом лучшем положении по отношению к двум другим типам практикующих музыку, потому что его восприятие обогащено более благородным видом получаемого удовольствия — при помощи интеллекта. Человеку же по природе недостаточно получать чувственное удовольствие, ему необходимо объяснить его разумом.

Структура музыкальной культуры

Как социальное явление и часть искусства музыка представляет собой сложное образование. В широком понимании в ее структуре выделяют:

1. Музыкальные ценности, продуцируемые и транслируемые в социуме. Это основа музыкальной культуры, которая обеспечивает преемственность исторических эпох. Ценности позволяют постигать сущность мира и общества, они являются духовно-материальными и реализуются в виде музыкальных образов.

2. Разные виды деятельности по производству, хранению, трансляции, воспроизведению, восприятию музыкальных ценностей и произведений.

3. Социальные институты и учреждения, занимающиеся разными видами музыкальной деятельности.

4. Отдельных людей, занимающихся созданием, распространением, исполнением музыки.

В более узком понимании композитора Д. Кабалевского музыкальная культура синонимизируется с термином «музыкальная грамотность». Она проявляется, по мнению музыканта, в умении воспринимать музыкальные образы, декодировать ее содержание, отличать хорошие мелодии от плохих.

В еще одной трактовке под исследуемым явлением понимают некое общее свойство личности, выражающееся в музыкальной образованности и музыкальной развитости. Человек должен обладать определенной эрудицией, знать некий свод классических произведений, которые формируют его вкус и эстетические предпочтения.

Точка отсчета — средневековье

С одной стороны, рождением музыки правильнее было бы считать то время, когда первобытный шаман впервые завел танец вокруг костра, подпевая и аккомпанируя себе притопыванием ног и хлопками рук. Но, с другой стороны, мы так мало знаем о том историческом периоде, что неизбежно попадаем в область сплошных догадок и теоретических построений. Поэтому периодизацию классической музыки принято начинать примерно с 1000 года — с эпохи позднего Средневековья, вплоть до 1600 года — до Возрождения.

Григорианский хорал (от лат. cantus gregorianus — григорианское пение), традиционное литургическое песнопение римско-католической церкви. Исполняется мужским хором в унисон. Является основой ранних форм европейской полифонии

Огромное влияние на все сферы жизни в то время имела церковь. Поэтому нет ничего удивительного, что пение священных текстов стало одним из первых музыкальных направлений. Григорианские хоралы известны по сей день и заслуженно считаются одними из красивейших образцов вокальной музыки.

До 1025 года музыкальные знания, как и во многих других областях, передавались от учителя к ученику. Единого способа звуковой записи не существовало. Но именно этот год стал поистине поворотным в истории музыки. Монах Гвидо д’Ареццо разработал и предложил систему музыкальной нотации, то есть изобрел ноты. Отныне любой музыкант мог прочесть и в точности воспроизвести любую записанную в этой системе мелодию.

Хоральное пение и песенная традиция трубадуров, многоголосые мессы, ставшие первыми полифоническими произведениями, богатейшие аранжировки произведений для церкви и светские мадригалы и мотеты — вот наследие, оставленное нам музыкантами того времени. Еще одним поворотным моментом, а заодно и витком, завершившим ранний период, стало возникновение оперы. Опера — это революционное сочетание музыки и поэтического искусства.

Самые известные рок-музыканты

1. The Beatles.
2. Bob Dylan.
3. Elvis Presley.
4. The Rolling Stones.
5. Chuck Berry.
6. Jimi Hendrix.
7. James Brown.
8. Little Richard.
9. Aretha Louise Franklin.
10. Ray Charles.

Интересный факт!

Годом ранее в журнале вышла статья “100 величайших гитаристов всех времен”, где Джими Хендрикс занял первое место.

После составления этих списков прошло больше 10 лет, поэтому фанаты тяжелой музыки сделали подборку самых популярных исполнителей современности. В нее вошла британская группа Muse, чьи композиции активно используются в кинематографе. Например, песню “Supermassive Black Hole” можно услышать в молодежной саге “Сумерки”. Второго места был удостоен коллектив Linkin Park, который дважды номинировался на премию “Грэмми”. За ними следуют 30 Seconds to Mars с Джаредом Лето во главе.

Также в список вошли Three Days Grace (когда фронтменом был Адам Гонтьер), Kasabian, Kings of Leon, Foo Fighters, Arctic Monkeys, Radiohead и Biffy Clyro. Количество рок-групп увеличивается каждый день, поэтому каждый фанат тяжелой музыки находит свое звучание.

1824 год

Девятая симфония Бетховена

Первая часть (Allegro ma non troppo e un poco maestoso) Cимфонии № 9. Рукопись Людвига ван Бетховена. 1824 год

В 1824 году Бетховен заканчивает Девятую симфонию с финалом на текст «Оды к радости» Шиллера. Нам неизвестно имя автора первой в мире классической симфонии, однако именно Бетховен довел все классические жанры XVIII века до логического конца, «закрыв» музыкальный классицизм и шире — эпоху Просвещения в музыке. Поздние сонаты и квартеты Бетховена представляют собой проверку на прочность существующих форм и жанров, в оттачивании которых до кристального совершенства он и сам принял самое активное участие. Результатом этой проверки на прочность явилась гора руин, послуживших загадкой для исследователей и неиссякаемым источником вдохновения для последующих поколений. Так, синтез крупномасштабной симфонии (не первой в творчестве Бетховена — еще в 1803 году он пишет Третью, «Героическую» симфонию) со сквозным музыкально-драматургическим развитием и оратории привел к появлению многочисленных симфоний-кантат.

  Вторая часть Симфонии № 9 Людвига ван Бетховена

Музыка 20 века

Новый век начинается с протестных настроений, музыка тоже переживает революционные перемены. После Первой мировой войны композиторы ищут вдохновения в прошлом, но хотят придать старым формам новое звучание. Начинается время экспериментов, музыка становится очень разнообразной. Классическое искусство связано с такими великими композиторами, как Стравинский, Шостакович, Бернстайн, Гласс, Рахманинов. Появляются понятия атональности и алеаторики, что полностью изменяет представление о гармонии и мелодии. В этот период нарастают демократические процессы в музыкальной культуре

Появляется эстрада и захватывает внимание широкой публики, позже возникает такое протестное музыкальное движение, как рок. Так формируется современная музыкальная культура, характеризующаяся многочисленностью стилей и направлений, смешением жанров

Музыка Возрождения

С преодолением церковного влияния на все аспекты жизни приводят к тому, что начинается новая эпоха. Идеалами этого периода становятся античные образцы, поэтому и эпоха называется Возрождением. В это время история музыкальной культуры начинает развиваться преимущественно в светском направлении. Во времена Возрождения появляются такие новые жанры, как мадригал, хоровая полифония, шансон, хорал. В этот период формируются национальные музыкальные культуры. Исследователи говорят о появлении итальянской, германской, французской и даже нидерландской музыки. Система инструментов в этот исторический период также претерпевает изменения. Если раньше главным был орган, то теперь его опережают струнные, появляется несколько видов виол. Род клавишных тоже существенного обогатился новыми инструментами: клавикорды, клавесин, чембало начинают завоевывать любовь композиторов и исполнителей.

Музыка Древнего мира

История музыкальной культуры начинается в глубокой древности. К сожалению, от самых первых цивилизаций не осталось свидетельств об их музыке. Хотя очевидно, что музыкальное сопровождение обрядов и ритуалов существовало с самых первых этапов существования человеческого общества. Ученые утверждают, что музыка существует по меньшей мере 50 тысяч лет. Документальное подтверждение наличия данного искусства появляется со времен Древнего Египта. Уже в то время существовала разветвленная система музыкальных профессий и инструментов. Мелодии и ритмы сопровождали многие виды деятельности человека. В это время появилась письменная форма фиксации музыки, что позволяет судить о ее звучании. От предыдущих эпох остались только изображения и остатки музыкальных инструментов. В Древнем Египте существовала духовная музыка, сопровождавшая совершение культов, а также сопутствующая человеку в труде и отдыхе. В этот период впервые появляется музыка для слушания с эстетическими целями.

В культуре Древней Греции музыка достигает наивысшего развития для этого исторического периода. Появляются различные жанры, совершенствуются инструменты, хотя в это время преобладает вокальное искусство, создаются философские трактаты, осмысляющие сущность и назначение музыки. В Греции впервые появляется музыкальный театр как особый вид синтетического искусства. Греки хорошо понимали силу воздействия музыки, ее воспитывающую функцию, поэтому этим искусством занимались все свободные граждане страны.

1580–90-е годы

Изобретение равномерной темперации

Со времен Пифагора () музыка пользовалась натуральным
строем  Натуральный строй — строй, основанный на ряду так называемых обертонов. Обертоны получаются делением звучащего тела, например струны, на равные части в соотношении 1:2 (образуется обертон, звучащий в интервале октавы от основного тона), 3:2 (следующий обертон, звучащий в интервале квинты от предыдущего обертона) и т. д. В результате получается ряд, гармонический по отношению к основному тону. На основе этих интервалов строится диатоническая гамма. Однако акустически чисто в этом строе будут звучать только те интервалы, которые находятся в непосредственном отношении к избранному основному тону. Другие интервалы диатонической гаммы будут звучать фальшиво.. Однако человеческий слух устроен таким образом, что в условиях многоголосия (когда некоторые интервалы берутся певцами или певцом и инструментом совместно) или при переходе из одной тональности в другую мы будем воспринимать некоторые сочетания как фальшивые  Ведь все интервалы в ладу будут иметь разные соотношения частот, а самый мелкий — полутон, или малая секунда, — целых три: 15:16, 128:135, 24:25.. Во времена господства вокальной одноголосной музыки все эти перерасчеты в основном оставались на бумаге, но с прибавлением к хору органа, требовавшего точной настройки, начались первые проблемы. С развитием инструментальной музыки в эпоху Возрождения фальшь стала невыносимой. Изобретались различные способы исправления «ошибки природы» — в частности, за счет варьирования ширины основных интервалов. Эта ширина просто-напросто усреднялась до определенного приемлемого значения. Так и родилось понятие темперации, что в переводе с латыни означает «успокоение».

Имелось в виду не столько успокоение как уменьшение числа биений в неприятных на слух диссонансах («как будто воет ужасный волк» — распространенная метафора музыкальных мастеров эпохи Возрождения), сколько успокоение человеческого слуха. Выбирался опорный интервал, чаще всего квинта  Квинта — музыкальный интервал шириной в пять ступеней., и для разных квинт (всего их получается двенадцать) рассчитывалось свое соотношение с оптимальным числом биений, а потом к этой системе приспосабливали и все остальные интервалы. Примерно в такой последовательности и по сей день работают настройщики. Однако в конце XVII века сразу несколько крупных ученых поставили вопрос о создании такого строя, в котором бы все интервалы воспринимались слухом как равные между собой, начиная с самого мелкого — полутона (то есть 1/12 части октавы). Нельзя с точностью сказать, кто был автором формулы расчета равномерной темперации, так как мы встречаем ее у разных авторов.

Как и в случае с другими изобретениями, рассчитанными на унификацию той или иной музыкальной технологии, равномерная темперация дала мощный толчок композиторам, которые стали использовать систему равных полутонов для получения самых смелых звукосочетаний. С другой стороны, равномерная темперация вызвала законные возражения музыкантов-исполнителей, в первую очередь струнников, справедливо утверждавших, что естественные тяготения тонов в строе с равномерной темперацией друг к другу в мелодиях звучат беднее и суше.

По последним данным, еще Бах использовал разные системы неравномерной темперации. Однако все конструкции музыкальных инструментов начиная с середины XVIII столетия строились с учетом темперации равномерной, кроме струнных смычковых, конструкция которых в принципе к этому строю не может быть приспособлена. Последними «натуральными» инструментами симфонического оркестра оставались медные (местами до начала ХХ века), но дальнейшее усовершенствование их устройства также не оставило им шанса. Только в вокальной музыке (везде в фольклоре и иногда в церкви) уцелел натуральный строй.

Около 1325 года

Трактат «Ars nova»

В трактате Филиппа де Витри (1291–1361) «Ars nova» впервые излагается система правил сочинения многоголосной музыки. Многоголосие возникает в Х столетии, достигая к концу XII века довольно изощренных форм в творчестве Перотина Великого  Перотин Великий — французский композитор рубежа XII–XIII веков. Руководил хором парижского собора Нотр-Дам и возглавлял сложившуюся вокруг него композиторскую школу. (по определению самого де Витри — Ars antiquа), однако потребовалось еще целое столетие для того, чтобы усовершенствовать способ нотной записи и ввести систему ограничений  В частности, правила употребления консонирующих и диссонирующих интервалов: диссонанс теперь обязательно разрешать в консонанс.с целью сделать музыку более благозвучной и структурно оформленной. Многие из правил, введенных де Витри, до сих пор входят в школьные учебники гармонии и полифонии  Например, запрет на движение параллельными совершенными консонансами — октавами и квинтами., а термины «Ars antiqua» и «Ars nova» стали общепринятыми в истории музыки.

  Градуал Перотина Viderunt Omnes  Мотет Филиппа де Витри Vos Qui Admiramini

История русской рок-музыки

Западная мода дошла и до Советского Союза. Новое направление было принято не сразу. Первые концерты в стиле рок-н-ролл проходили в небольших помещениях, а выступали в основном любители. Коллектив “Поющие Гитары” стал первым официальным проектом тяжелой музыки в СССР. Группа была основана в 1957 году и сразу начала активно выступать на мероприятиях, знакомя русскую публику с роком. Однако стиль все еще не признавался советскими слушателями. Качественные записи и сложные композиции требовали дорогих инструментов. Отсутствие топового оборудования стало серьезной преградой для развития рока в русской культуре.

Расцветом рок-н-ролла в Советском Союзе считается период с 80-х по 90-е. В 1981 открылось первое заведение, посвященное новому направлению. В Ленинградском рок-клубе начали записываться группы “Машина времени”, “Автограф и Магнетик Бэнд”. Эти коллективы уже были известны публике своим выступлением на фестивале тяжелой музыки “Тбилиси-80”, проведенном годом ранее. Музыканты с необычным стилем исполнения стали попадать на радиостанции и сниматься в программе “Музыкальный ринг”. Именно в этот период появились “Круиз”, “Земляне” и “ДДТ”.

Очередной удар по рок-культуре пришелся на середину 80-х, когда правительство запретило любительским группам выступать на концертах. Нарушение правил считалось попыткой получить нелегальную прибыль и грозило тюремным заключением. Выступления “Воскресенья” и “Браво” не раз были закрыты милицией. Доходило даже до арестов, например, во время одного несанкционированного концерта была арестована Жанна Агузарова, исполнительница группы “Браво”.

Интересный факт!

Большинство композиций записывалось в гаражах и квартирах. Культовая песня “Наутилуса Помпилиуса” “Я хочу быть с тобой” была записана на квартире у одного из основателей — Дмитрия Умецкого.

Попытки государства избавиться от западных течений не увенчались успехом. Рок-музыка превратилась в пропаганду свободы. Люди начали слушать композиции и записывать активнее, борясь за право наслаждаться любимым направлением. Не помогли и массовые расформирования зарегистрированных коллективов, которые добавляли в свои записи рок-н-рольный стиль. В 1985 году правительством было принято решение о создании “Московской рок-лаборатории” в качестве компромисса. Так музыканты получали возможность выступать на концертах, зарегистрировавшись в учреждении. Группы стали легальными, а государство могло контролировать их деятельность. Вместе с нововведением в стране появился новый стиль — нью-вейв. Его исполнители, например, “Кино” и “Алиса”, быстро нашли отклик у публики. Вместе с ними популярность пришла к “Наутилусу Помпилиусу”, “Бригаде С” и “Зоопарку”.

Сегодня самыми популярными исполнителями рока в России считаются:

1. “Кино”.
2. “ДДТ”.
3. “Наутилус Помпилиус”.
4. “Алиса”.
5. “Машина Времени”.
6. “Агата Кристи”.
7. “Аквариум”.
8. “Чайф”.
9. “Ария”.
10. Земфира.

Амвросий и Григорий

   Звучит как название сериала 1970–х годов, но в действительности Амвросий был епископом Милана с 374 по 397 год, а Григорий I – Римским Папой с 590 по 604 год. Григорий I вообще много чем прославился, в том числе и тем, что отправил Августина Кентерберийского в Англию обращать местных жителей в христианство.   Епископа Амвросия и Папу Григория часто называют основоположниками церковного григорианского пения, то есть распевания без аккомпанемента священных текстов во время богослужения, чем обычно и занимались монахи.   Амвросий внёс заметный вклад в развитие антифонного пения, то есть такого пения, при котором две части хора поют попеременно, когда вторая часть вторит первой. Тем не менее историки музыки чаще вспоминают Григория, поскольку именно с его именем связывают многие нововведения в этой области, сделанные двумя веками позднее, и его же именем названа вся система религиозного пения.